O scurtă istorie a cinematografiei de la mijlocul secolului al XX-lea până în prezent: un extras din cartea lui Anton Dolin
Cărți Cinema / / December 28, 2020
Apogeul cinematografului de autor
De la mijlocul anilor 1950, regizorii și realizatorii au apărut în întreaga lume, fiecare cu stilul și stilul său. Unii dintre ei se respectă reciproc, alții, dimpotrivă, disprețuiesc, iar majoritatea își construiesc propriul univers artistic, locuit de asociați și fani.
Anii 1950 - 1970 au văzut apogeul popularității cinematografului de autor: oamenii îl urmăresc, îl interzic, îl exaltă, îl ceartă cu înverșunare, scriu articole și cărți întregi. Pentru prima dată, teoreticienii vorbesc serios despre cinema ca pe o artă care nu este în niciun caz inferioară fraților săi mai mari - teatru, literatură, pictură sau muzică.
În Uniunea Sovietică, în ciuda cenzurii, a unui autor fără compromisuri film și artiști unici: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.
Zece filme de încercat:
- Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Japonia;
- „Șapte samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Japonia;
- Cuvântul, 1955, Karl Theodor Dreyer, Danemarca;
- The Seventh Seal, 1957, Ingmar Bergman, Suedia;
- „Aventura”, 1960, Michelangelo Antonioni, Italia;
- La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italia;
- A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, Marea Britanie / SUA;
- Frumusețea zilei, 1967, Luis Buñuel, Franța;
- Frica mănâncă sufletul, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Germania;
- Oglindă, 1974, Andrei Tarkovsky, URSS.
Hollywood nou
Această tendință a cinematografiei americane de autor a fost influențată parțial de cinematografia europeană și asiatică, precum și de mișcarea festivalului. Nașterea sa este asociată cu abolirea codului de cenzură Hayes, care prescrie reguli stricte pentru ceea ce este permis și ce nu poate fi afișat în filme, și odată cu criza sistemului american de „studio”, înecat în auto-repetare și obosit spectatori.
Tinerii cineaști-amatori de filme s-au simțit parte a comunității culturale mondiale. Au abandonat toate restricțiile și au explorat zonele tabu ale vieții americane. În același timp, filmele lor au fost populare și au primit sărbători complete, au fost nominalizate la premiile de film și le-au câștigat.
Problemele sociale și cercetările traumatice ale comunului american în filme noi de la Hollywood au fost înlocuite legile cinematografice convenționale ale cinematografiei de gen cu obligatoriu și adesea de serviciu scopuri fericite.
Cinci filme de încercat:
- Absolventul, 1967, Mike Nichols, SUA;
- Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, SUA;
- Nașul, 1972, Francis Ford Coppola, SUA;
- Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, SUA;
- „Scarface”, 1983, Brian De Palma, SUA.
Blockbusters
La mijlocul anilor 1970, a avut loc o revoluție comercială în cinematografia americană și apoi cea mondială. Tinerii imigranți din New Hollywood George Lucas și Steven Spielberg filmează filme de gen incredibil de populare pentru un public tânăr care bate toate recordurile de la box-office. Din acest moment, America trece treptat de la producția în masă a cinematografiei serioase la public adult pentru filme de divertisment pentru adolescenți - adevărate mașini comerciale pentru a câștiga bani bani. Sunt numiți „blockbusters” - literalmente „distrugători de cartier”.
Blockbusterele sunt încă coloana vertebrală a puterii de studio a Hollywoodului și motivul vitalității industriei cinematografice americane.
Cinci filme de încercat:
- Jaws, 1975, Steven Spielberg, SUA.
- Star Wars, 1977, George Lucas, STATELE UNITE ALE AMERICII.
- Alien, 1979, Ridley Scott, SUA.
- Terminatorul, 1984, James Cameron, SUA.
- Die Hard, 1988, John McTiernan, SUA.
Postmodernismul
Acest cuvânt îi sperie pe mulți. Pe de o parte, nimeni nu este capabil să descrie pe scurt și clar ce se înțelege prin aceasta. Pe de altă parte, s-au scris atât de multe studii și cărți despre el încât se înseamnă prea mult.
În cinematografie, manifestările clare ale postmodernismului ignoră sistemul ierarhiilor (atât drepturile de autor, cât și cele comerciale cinema), ironie atotpătrunzătoare, citate omniprezente din clasicii cinematografiei, lipsa moralismului și instructiv. Pe lângă un amestec de genuri și stiluri, nedistincție între arta „înaltă” și cultura de masă, includerea privitorului în privind ca un fel de joc cultural în care i se cere să ghicească ce are în realitate minte autorul.
De la mijlocul anilor 1980, postmodernismul a preluat cinematografia din întreaga lume.
Zece exemple de încercat:
- Blue Velvet, 1986, David Lynch, SUA;
- „ASSA”, 1987, Serghei Solovyov, URSS;
- „Femeile la un pas de criză nervoasă”, 1988, Pedro Almodovar, Spania;
- Nikita, 1990, Luc Besson, Franța;
- Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Japonia;
- «Roman polițist», 1994, Quentin Tarantino, SUA;
- Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, SUA;
- Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Danemarca;
- Jocuri amuzante, 1997, Michael Haneke, Austria;
- „Despre ciudate și oameni”, 1998, Alexey Balabanov, Rusia.
Festivaluri
Primele festivaluri de film au început să aibă loc chiar înainte de al doilea război mondial. Cel mai influent spectacol de film a fost Veneția, fondată în 1932 la inițiativa personală a dictatorului Benito Mussolini. Festivalul de la Cannes a fost conceput pentru prima dată să se desfășoare la sfârșitul aceluiași deceniu ca o alternativă și un contrabalans la Festivalul de la Veneția, unde ideile fasciste deveneau din ce în ce mai influente. Planurile nu erau destinate să se împlinească: războiul a început. Drept urmare, primul festival de la Cannes a avut loc în 1946.
Cele mai importante spectacole de film din Europa sunt considerate în mod tradițional festivalurile de la Berlin (februarie), Cannes (mai) și Veneția (August-septembrie), cele mai prestigioase sunt premiile lor: „Ursul de Aur”, „Palma de Aur” și „Leul de Aur” respectiv. În plus, festivaluri celebre au avut loc de mult timp în Locarno și Rotterdam, Karlovy Vary și San Sebastian, Toronto și Busan.
Există mai multe festivaluri internaționale de film în lume decât zile pe an.
Douăzeci de câștigători ai festivalului pentru a încerca:
- Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Japonia (Veneția);
- „Plătește frica”, 1954, Henri-Georges Clouzot, Franța (Cannes);
- „12 Angry Men”, 1957, Sidney Lumet, SUA (Berlin);
- Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Spania (Cannes);
- Copilăria lui Ivan, 1962, Andrei Tarkovsky, URSS (Veneția);
- Umbrelele din Cherbourg, 1964, Jacques Demy, Franța (Cannes);
- Spitalul Militar de Campanie, 1970, Robert Altman, SUA (Cannes);
- The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italia (Berlin);
- „Ascensiunea”, 1977, Larisa Shepitko, URSS (Berlin);
- All That Jazz, 1980, Bob Fosse, SUA (Cannes);
- „Nume: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Franța (Veneția);
- „Paris, Texas”, 1984, Wim Wenders, Germania (Cannes);
- Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, China (Berlin);
- Barton Fink, 1991, Ethan și Joel Coen, SUA (Cannes);
- Pianul, 1993, Jane Campion, Noua Zeelandă (Cannes);
- Trăiască dragostea, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Veneția);
- Spirited Away, 2002, Hayao Miyazaki, Japonia (Berlin);
- Natura mortă, 2006, Jia Zhangke, China (Veneția);
- „4 luni, 3 săptămâni și 2 zile”, 2007, Cristian Mungiu, România (Cannes);
- „Unchiul Boonmi care își amintește viețile sale trecute”, 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thailanda (Cannes).
Apropo
Cine are nevoie de festivaluri și de ce?
Mulți cred că acestea sunt un fel de „târguri ale vanității” care există doar de dragul bârfelor - ținute de mers pe covorul roșu. De fapt, festivalurile de film sunt un fel de mecanism care oferă o alternativă la sistemul de studio de închiriere și publicitate de la Hollywood (precum și analogii săi din întreaga lume).
Un juriu profesionist și critici de film urmăresc filme complet noi (de obicei aparțin domeniului cinematografiei de autor) și le aleg pe cele mai talentate. Întreaga lume va afla despre acest lucru: atât intriga în jurul premiului, cât și coloana de bârfe ajută. În paralel cu festivalurile, există piețe de film, unde se fac oferte pentru vânzarea și cumpărarea de filme, nu numai filme comerciale și de gen, ci și cele de autor, avangardă și experimentale. Aproape toți regizorii semnificativi din istoria filmului de după război au devenit celebri prin festivaluri.
„Oscar”
Omenirea este sigură că cel mai mare premiu în domeniul cinematografiei este Oscarul și este imposibil să-l convingi. Dar Oscarul este un premiu industrial pur american, în coordonatele sale limitate de care este adesea întreaga cinematografie de neobservat: la urma urmei, sunt premiate doar filmele lansate în cursul anului STATELE UNITE ALE AMERICII.
Poate că acordă o asemenea importanță premiului, deoarece Oscarurile sunt un spectacol spectaculos. Sau pentru că cel mai faimos
vedetele din lume sunt Hollywood. Dar, mai presus de toate, desigur, pentru că cinematograful american este cel mai popular din lume.
Motivul este simplu. Francezii fac filme pentru francezi, danezi pentru danezi, indieni pentru indieni, chinezi pentru chinezi și ruși pentru ruși. Există excepții de la această regulă, dar sunt rare și nesemnificative. Și numai Hollywood face filme nu pentru americani, ci pentru întreaga lume.
Cele mai bune douăzeci de filme Oscar de încercat:
- S-a întâmplat într-o noapte, 1935, Frank Capra, SUA;
- Gone with the Wind, 1940, Victor Fleming, SUA;
- Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, SUA;
- All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, SUA;
- Ben-Hur, 1960, William Wyler, SUA;
- The Apartment, 1961, Billy Wilder, SUA;
- West Side Story, 1962, Robert Wise și Jerome Robbins, SUA;
- Lawrence al Arabiei, 1963, David Lin, Marea Britanie;
- Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, SUA;
- „Nașul - 2”, 1975, Francis Ford Coppola, SUA;
- One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1976, Milos Forman, SUA;
- Annie Hall, 1978, Woody Allen, SUA;
- Plutonul, 1987, Oliver Stone, SUA;
- Rain Man, 1989, Barry Levinson, SUA;
- «Tăcerea mieilor», 1992, Jonathan Demme, SUA;
- Schindler's List, 1994, Steven Spielberg, SUA;
- Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, SUA;
- Titanic, 1998, James Cameron, SUA;
- No Country for Old Men, 2008, Ethan & Joel Coen, SUA;
- Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, SUA.
Cunoscutul jurnalist rus și critic de film Anton Dolin a scris o carte pentru copii și adulți, unde a analizat întrebări importante despre cinema. De ce ne uităm la filme? Cum să înțelegeți limbajul cinematografic? Dacă te plictisești? Cum se schimbă cinematografia și ce se va întâmpla în viitorul îndepărtat? Un bonus foarte frumos - ilustrațiile pentru publicație au fost desenate de Konstantin Bronzit, artist, animator și nominalizat la Oscar.
Cumpără o carte
Citește și🧐
- 10 cărți care îl vor trezi pe artist în tine
- Lista lui Brodsky: cărți pe care trebuie să le citiți, astfel încât să aveți ceva de vorbit
- Un ghid pentru cărțile lui Haruki Murakami: ce este special la ele și de ce ar trebui citite