Modul în care cineastii îi ajută pe spectatori să-și iubească filmele
Cinema / / December 30, 2020
Cel mai adesea, atunci când discută despre cinema, oamenii vorbesc despre complot și actorie. Desigur, acestea sunt componente importante ale oricărui film. Dar se întâmplă să nu-ți poți lua ochii de la o fotografie, deși acțiunea se dezvoltă foarte încet, iar o altă poveste devine rapid plictisitoare, în ciuda numeroaselor evenimente. Unii autori reușesc să-l facă pe spectator să creadă în cele mai fantastice viraje, în timp ce alții fac chiar situații reale, cum ar fi jucăriile. Și este frumos să urmărești niște casete, în timp ce altele sunt dure.
Lucrul este că, pe lângă complot și actori, există multe trucuri tehnice interesante, cu ajutorul cărora regizorii îl ajută pe spectator să simtă acțiunea și să se bucure de ceea ce se întâmplă pe ecran. Este posibil ca aceste subtilități să nu fie nici măcar observate, dar afectează în continuare foarte mult percepția imaginii.
Spectrul culorilor
Primul lucru de observat este că culorile din filme nu sunt deloc la fel ca în viața reală. Poate fi destul de evident (de exemplu, dacă imaginea este alb-negru) sau nu vă dați seama imediat. Dar nu este o coincidență.
Creați atmosferă
Cu ajutorul culorilor, puteți transmite mai bine atmosfera a ceea ce se întâmplă, puteți crea o stare de spirit pentru spectator și chiar puteți arăta sentimentele personajelor în sine.
De exemplu, luați franciza populară „X-Men». În seria principală de filme, imaginea strălucitoare și bogată seamănă cu benzi desenate. Și spre deosebire de ei în „Logan” noir, unde vorbesc despre bătrânețe și oboseala eroului, se aleg culori mai palide.
În filmul „Mad Max: Fury Road” cea mai mare parte a acțiunii are loc într-o zonă fierbinte de deșert. Este logic ca imaginea să fie realizată în nuanțe de galben-portocaliu, care vă fac să simțiți soarele arzător și uscăciunea.
Pentru claritate, puteți lua un cadru și puteți schimba schema de culori. Imediat va părea că a devenit mai rece.
Pentru a crea o imagine contrastantă, blockbuster-urile moderne și, în general, cinematografia de masă sunt mai albastre și portocalii.
Și iată faimosul Wes Anderson iubește o paletă roz roz. Oferă privitorului senzația unui film romantic vechi. Și tot ce se întâmplă este perceput mai calm și mai ușor.
Atunci când vor să creeze o atmosferă de viitor și fantezie, se transformă adesea în albastru. Și le place în special culorile neon, care sunt strâns legate în capul spectatorului de cyberpunk și tehnologie.
Inutil să spun că autorii filme de groază preferă culorile închise. Există mai multe motive pentru aceasta. Desigur, acesta este parțial un mod de pompare a atmosferei. Mulți oameni se tem deja de întuneric, iar în filmele de groază există și monștri care se ascund în el.
În plus, o imagine întunecată vă permite să ascundeți ușor imperfecțiunile în grafică sau machiaj și să economisiți la producție. Este adevărat, există un pericol în acest sens: dacă întunecați prea mult cadrul, este posibil ca privitorul să nu vadă pur și simplu ce se întâmplă pe ecran, mai ales într-un cinematograf rău sau pe un televizor vechi. De exemplu, acesta a fost cazul în filmul din 2018 Slenderman.
Deși unii regizori originali pot juca în contrast. De exemplu, Ari Astaire în „Solstițiul”A arătat atmosfera tipică a unui film de groază: eroii se găsesc într-un sat izolat, unde se întâmplă lucruri cumplite.
Dar, în același timp, imaginea este foarte ușoară, aproape că nu există scene întunecate în ea, iar hainele eroilor sunt albe ca zăpada. Și de aici devine și mai cumplit, pentru că nu există unde să se ascundă de groază.
Citind acum🔥
- Top 25 de seriale TV din 2020
Separarea pieselor parcelei
Un film poate avea mai multe filtre de culoare diferite. Sunt folosite pentru a separa mai clar povestirile. Și cu talentul potrivit, această abordare ajută la luminarea imaginii.
Un exemplu extraordinar este „Matrice». Logo-ul acestei benzi a fost realizat cu simboluri de cod verde, denotând programul în care trăiesc oamenii. De aceea, tot ce se întâmplă în lumea virtuală a fost filmat printr-un filtru verzui. Și evenimentele reale sunt afișate în albastru.
Și numai la sfârșitul celei de-a treia părți, când oamenii și mașinile au încheiat un acord de pace, culorile verzi și albastre apar în cadru în același timp.
În film Christopher Nolan Personajele „începătoare” trec de la lumea reală la un vis, apoi la un vis într-un vis etc. Pentru a separa mai clar „straturile”, regizorul a ales propria schemă de culori pentru fiecare dintre ele.
La primul nivel de somn, totul este filmat într-o paletă albastră, al doilea este galben, al treilea este alb. Și numai în ultimul vis toate nuanțele se reunesc din nou, ca în lumea reală.
În Blade Runner 2049 Denis Villeneuve diferite culori reflectau atât locația, cât și starea interioară a protagonistului.
Totul începe cu personajul lui Ryan Gosling rătăcind în ceață, apoi trece printr-un deșert fierbinte portocaliu, futurism neon și o inundație nocturnă. Iar povestea se termină pe un fundal alb ca zăpada, reflectând calm și purificare.
Refuzul culorii
A fost odată toate filmele alb-negru. Pur și simplu pentru că nu știau să tragă altfel și era posibil să colorați cadrele doar manual. Apoi au apărut filme color și cinematografia a devenit mult mai realistă.
Dar, în același timp, fotografia alb-negru nu este cu totul trecută. Ele sunt încă utilizate în scopuri artistice. De exemplu, pentru a delimita diferite lumi sau povești.
Deci, în Vrăjitorul din Oz, 1939, culoarea apare atunci când Dolly intră în lumea zânelor.
În „Stalker” de Andrey Tarkovsky, culorile sunt absente și în viața obișnuită a eroilor. Și când personajele se regăsesc în „Zona” mistică, lumea devine strălucitoare - tocmai aici oamenii se dezvăluie cu adevărat.
Sau tot același Christopher Nolan din caseta „Remember” a arătat o parte a acțiunii în ordinea directă, iar a doua - în opus. Prin urmare, jumătate din film este filmată în culoare, iar cealaltă este în alb și negru.
În plus, o imagine alb-negru vă permite să evidențiați anumite detalii mai clar, adăugând pur și simplu culoare acestora. Pentru prima dată, Serghei Eisenstein a făcut acest lucru când a pictat manual steagul în cuirasatul Potemkin din 1925.
Ulterior, această tehnică a fost utilizată în genuri complet diferite. În „Lista lui Schindler” Steven Spielberg apariția unei fete într-o haină roșie devine unul dintre cele mai emoționante momente.
Și chiar și în filmul de benzi desenate Sin City, această abordare este utilizată în mod repetat, cu accent pe rujul roșu, ochii strălucitori sau sângele.
Construcția cadrului
Regula treimilor
Unul dintre principiile fundamentale atât ale cinematografiei, cât și fotografie. Aceasta este ceva de genul unei reguli simplificate a „raportului de aur”.
Este simplu: atunci când fotografiați, ecranul este împărțit în trei părți pe verticală și orizontală. Cele mai importante elemente pentru complot ar trebui să fie pe aceste linii, precum și la intersecția lor. Acest lucru va facilita privitorului să se concentreze asupra punctelor dorite.
Așezați într-un pătrat
Dacă împărțiți în mod condiționat cadrul în jumătate sau în patru părți egale, atunci puteți face spectatorul să înțeleagă fără cuvinte ce loc ocupă personajul în poveste.
Această tehnică este văzută cel mai clar în caseta „Drive” Nicholas Winding Refna. De exemplu, dacă fața personajului principal este afișată în colțul din stânga sus, iar în cadrul următor apare un alt personaj în același loc, atunci acesta este un indiciu că personajele vor fi rivale.
În plus, același Refn poate spune două povești în paralel: în părțile superioare și inferioare ale ecranului sau în jumătățile din stânga și din dreapta. Este posibil ca privitorul să nu observe această mișcare, dar totuși percepția personajelor va fi mai completă. În plus, este doar frumos.
Simetrie
O altă tehnică psihologică și estetică în același timp. De multe ori, fotografiile în care jumătatea stângă reflectă jumătatea dreaptă se fac doar pentru frumusețe.
Dar uneori transmit opoziția personajelor. Și dacă eroul se uită în oglindă, acesta va arăta partea lui întunecată sau diferența dintre vise și realitate. Pe scurt, orice alegorie la care ne putem gândi pentru reflecții.
Colț olandez
Pentru a arăta instabilitatea principalului erou, îndoielile sale cu privire la ceva sau probleme de memorie, folosesc o tehnică foarte vizuală. Unghiul olandez înseamnă că camera nu filmează drept, ci se înclină. Multe exemple ale acestei abordări pot fi găsite în filmele lui Danny Boyle.
Este neobișnuit ca privitorul să privească imaginea dintr-un unghi, astfel încât să perceapă mai bine starea inconfortabilă a personajului.
Cu toate acestea, este important să respectați măsura aici. De exemplu, filmul dezastruos „Battlefield: Earth” a fost filmat în întregime sub un unghi. Dar peste o oră și jumătate, cel mai probabil, privitorul va avea doar gâtul dureros.
Fotografiere de jos și de sus
O altă dintre tehnicile simple, dar eficiente, care vă permite să transmiteți sentimentul de sine al eroilor. Deci, puteți arăta, de exemplu, cine este stăpânul situației. Și apoi casetele îmi vin imediat în minte Quentin Tarantinounde personajele privesc în jos în portbagaj.
Fotografierea de sus te face să simți că eroul se simte nesigur. Iată cât de amuzant l-au jucat în celebra scenă din filmul „Ce vorbesc bărbații”, unde personajul lui Kamil Larin, ca un copil, îi scuză portarului într-un restaurant scump:
Dialog și mișcare
Acțiune de fundal
O tehnică folosită cel mai adesea în comedie sau în groază. În prim-plan, nu se întâmplă nimic interesant. Și cel mai important lucru se desfășoară pe fundal, care poate fi întunecat sau neclar.
De exemplu, personajul principal al filmului „Zombie pe nume Sean"se duce la magazin. Totul este foarte banal pentru el. Și în fundal există o adevărată apocalipsă:
În funcție de gen și prezentare, acest lucru poate crea fie un efect foarte amuzant, fie tensiune - în filmele de groază, țipătorii principali sunt adesea ascunși.
Conversații în mișcare
Cel mai frecvent tip de dialog în filme este acela că personajele stau și discută. În acest caz, camera comută în mod tradițional între fețe.
Dar dacă scena devine prea lungă, atunci vizualizator obosiți-vă de repetarea constantă a acelorași unghiuri. Prin urmare, regizorii buni fie completează, fie modifică decorul unor astfel de scene.
Deci, în filmele lui Quentin Tarantino, personajele vorbesc aproape constant. Dar maestrul nu vă lasă să vă plictisiți, deoarece dialogurile pot avea loc în timp ce conduceți. Datorită schimbării constante a fundalului, acțiunea nu pare monotonă.
Și chiar dacă personajele se află în aceeași cameră, camera nu se comută doar. Se poate mișca în jurul lor, creând efectul prezenței și chiar al participării la conversație. Aproape toate personajele pot fi văzute fără editare inutilă.
Nicholas Winding Refn reușește să folosească jocul deja menționat cu culoare și reflexie într-o conversație simplă. În Drive, primul dialog al protagoniștilor pare să arate foarte simplu.
Dar in acelasi timp caracterul Ryan Gosling este întotdeauna pe un fundal albastru (această schemă de culori îl însoțește pe tot parcursul filmului). Și eroina Carey Mulligan stă la pereții portocalii. Și asta arată că ceva îi separă, chiar dacă sunt apropiați.
Regula de 180 de grade
Există încă un punct important în timpul filmărilor. Dacă mutați camera mai mult de 180 de grade când schimbați unghiurile, vizualizatorul va deveni confuz. De exemplu, când eroul aleargă, va apărea că s-a întors și se mișcă în direcția opusă.
Și acest lucru este la fel de important chiar și în timpul dialogurilor. Pentru a nu crea impresia că toată lumea din cadru s-a mișcat brusc, operatorul și regizorul aleg o anumită linie dincolo de care camera nu ar trebui să treacă.
Este curios că o încălcare deliberată a acestei reguli poate fi utilizată doar pentru a deruta privitorul, pentru a arăta confuzia eroului. Și cu imaginația cuvenită, autorii creează scene mai neobișnuite. De exemplu, o conversație Gollum Cu mine insumi. Personajul este pur și simplu arătat din diferite părți, dar acest lucru creează efectul că există doi vorbitori și ei sunt în dialog.
Caracteristici de instalare
Editarea vă permite să faceți acțiunea filmului mai dinamică, „sărind” momentele plictisitoare ale vieții și vă permite să priviți ce se întâmplă din diferite puncte de vedere. Cea mai simplă formă a sa este narațiunea. Adică evenimentele din cadru apar una după alta. Acest lucru a fost cel mai clar explicat în Omul din Bulevardul Capucinelor.
Dar puteți arăta evenimentele filmului într-un mod diferit, iar pentru aceasta se folosesc diverse tehnici.
Instalare paralelă
Spre deosebire de povestirile secvențiale, uneori autorii doresc ca publicul să vadă ce se întâmplă în același timp în locuri diferite. Și apoi regizori consultați cablajul paralel.
Acest lucru face ca intriga să fie mai plină de evenimente. Dar este necesară prudență. La urma urmei, dacă afișați pe rând scenele care apar simultan, puteți avea impresia că fiecare dintre ele durează mai mult.
Un exemplu izbitor de editare paralelă nereușită este „Fast and Furious 6”. Eroii încearcă să scape pe un avion care călătorește de-a lungul pistei, mașinile îi urmăresc și o luptă are loc în interiorul căptușelii.
Autorii demonstrează atât de multe evenimente simultan încât pe ecran avionul pare să accelereze cel puțin 15 minute. Inutil să spun că asta ucide tot realismul situației?
Dar Christopher Nolan este recunoscut pe scară largă ca un maestru al editării paralele. Regizorul îl folosește în multe dintre lucrările sale, dar cel mai bun exemplu este Inception. Evenimentele la diferite niveluri de somn apar simultan și la ritmuri diferite (în somnul mai profund, timpul se mișcă mai încet).
Aici, separarea de culori deja menționată se adaugă acțiunii și privitorul nu se confundă cu ceea ce se întâmplă, ci realizează întreaga globalitate a evenimentelor.
Apropo, este interesant faptul că în filmul „Dunkirk” Nolan este și mai înțelept cu această tehnică. Arată în paralel evenimentele care au loc pe uscat, în apă și în aer. De fapt, cronologia este complet diferită și totul converge doar în final.
Flashback-uri și Flash Forwards
Uneori, autorii își încorporează amintirile din trecut - flashback-uri - în povestea liniară a personajelor. Acestea pot fi flash-uri foarte scurte de câteva secunde sau povești întregi.
Un mare iubitor de astfel de momente - Jean-Marc Vallee. Astfel, adaugă tensiune scenelor aparent calme. Sau arată clar că personajul înșeală pe cineva: spune un lucru, dar în amintirile sale apare ceva complet diferit.
Nu este greu de ghicit că flashforwards sunt aceleași povești, ci din viitor. Acestea sunt folosite mai rar, de obicei în știința-ficțiune sau în poveștile mistice. Pe o astfel de tehnică, au construit chiar o serie întreagă, unde, în timpul unei anumite eclipse, fiecare persoană a văzut un moment din al său viitorul.
Și mai departe de-a lungul complotului, toată lumea încearcă să afle motivele a ceea ce s-a întâmplat și să înțeleagă semnificația viziunilor lor. Seria a fost denumită astfel: Flashforward (în traducere în rusă - „Amintiți-vă ce se va întâmpla”). Adevărat, a durat doar un sezon.
Salt-tăiat
Această tehnică se aplică deja editării liniare. Înseamnă o tranziție bruscă între fotografii. Îl folosesc în scopuri complet diferite.
În Micul magazin al ororilor lui Frank Oz, această editare ajută la arătarea lungului și plictisitorului timp.
Dar Lars von Trier, care folosește deseori jump-kat în lucrările sale, transmite astfel stresul emoțional și instabilitatea psihologică a personajelor. Fotografierea astfel face ca imaginea să fie mai „nervoasă”. În caseta „Idiots”, acest lucru este foarte potrivit:
Editarea în formă și sunet
Pentru ca diferitele evenimente prezentate în film să fie percepute ca continuare una de alta, autorii folosesc adesea coincidențe vizuale. Adică, contururile unui obiect dintr-un cadru se repetă în următorul. Și uneori poate părea foarte înțelept.
În același mod, puteți „conecta” vizualizatorul cu sunet. Țipătul continuă fluierul vaporului, iar bubuitul industrial este înlocuit muzică același ritm. Sau șuierul unei țevi deteriorate se transformă într-un trosnet de carne prăjită.
În plus, sunetul poate fi ușor înainte sau în spatele a ceea ce este afișat pe ecran. Acest lucru este făcut pentru a face scenele mai conectate. Adică, privitorul aude încă vorbirea și foșnetele din cadrul anterior, dar acțiunea s-a schimbat deja. Sau vice versa.
Lipsa instalării
Aceasta este o mișcare îndrăzneață: regizorii filmează scene lungi fără să editeze deloc sau o ascund în diferite moduri.
Acest lucru face ca ceea ce se întâmplă pe ecran să fie mai realist, oferă spectatorului un sentiment al ritmului poveștii în sine. Dar, desigur, această abordare necesită mult mai multe repetiții și investiții. La urma urmei, în timpul procesării, puteți tăia lucrurile mici nereușite.
Deci, Joe Wright în filmul „Atonement” a arătat o scenă de cinci minute cu evacuarea trupelor din Dunkerque în timpul Al doilea razboi mondial. În mulțime, 1.300 de persoane au fost implicate, echipamentele se mișcau în cadru, iar exploziile au loc în fundal. Această abordare este cea care transmite toată întunericul și haosul a ceea ce se întâmplă.
Tehnologiile moderne fac posibilă gestionarea mai precisă a instalației. Și acest lucru l-a ajutat pe Alejandro Gonzalez Iñárrit să-l împuște pe Birdman. În el nici nu observați imediat că întreaga acțiune este afișată într-un singur cadru continuu.
De fapt, montajul este acolo, dar ascuns. Lipiciile sunt făcute atunci când camera trece printr-un element întunecat.
Iar „Arca Rusă” de Alexander Sokurov arată și mai puternic. Acțiunea are loc în Schitul, iar regizorul a primit o zi pentru filmare. Prin urmare, a decis să facă fotografia fără lipire.
Au fost necesare șapte luni de repetiții cu 800 de figuranți. Ca rezultat, din a treia preluare au filmat un film întreg cu o durată de 1 oră și 27 de minute.
De fapt, există mult mai multe astfel de subtilități. Dar mulți dintre ei necesită deja cunoștințe profunde despre regie și cinematografie. Acestea sunt doar exemple simple care pot fi văzute în multe filme. Și când te uiți la următoarea imagine, cu siguranță vei fi lovit de „colțul olandez” sau de un cadru lung fără editare. Dar asta nu va rupe magia cinematografiedimpotrivă, va face vizionarea și mai interesantă.
Citește și🎬
- 6 sfaturi pentru capturarea camerelor de acțiune uluitoare
- 12 timbre de film celebre care induc în eroare spectatorii
- Cum filmează Xavier Dolan - unul dintre cei mai promițători tineri regizori
- Lumile lui David Lynch: modul în care un regizor creează filme cu o atmosferă magnetică unică
- Paolo Sorrentino: cum realizează imagini autorul „Marea Frumusețe” și „Tânărul Papă”